Shortlist

„Boys Don’t Cry heißt der Film, den Kimberly Peirce 1999 über die erschütternde Geschichte von Brandon Teena drehte: Ein junger Trans*Mann, obdachlos und auf der Suche nach einer sozialen Heimat, trifft auf eine Clique eines Provinzstädtchens, bei der er sich zunächst wohl fühlt und sich in ein Mädchen verliebt. Als allerdings klar wird, dass er trans ist, reagieren Teile der vermeintlichen Freund*innen auf diesen „Verrat“ mit Hass und Gewalt.

2019, sechsundzwanzig Jahre nach dem Gewaltverbrechen, in der Bearbeitung von den jungen Akteur*innen am Theater Bremen, siegt die Liebe. Die optische Zuordnung zu einem eindeutigen biologischen und sozialen Geschlecht scheint in unserer Gesellschaft Bedingung für ein erfolgreiches Leben zu sein – ein Blick auf die immer noch fortwirkende Diskriminierung und Stigmatisierung von Trans*Menschen lässt keine andere als diese traurige Bilanz zu. Wieso spielen biologische Fakten so eine große Rolle im zwischenmenschlichen Umgang? Wieso muss es eine „Wahrheit“ des Geschlechts jenseits des eigenen Empfindens geben und wer bestimmt diese?

 

  

Die Welt steckt in der Krise – zumindest darüber sind sich alle einig. Aber in welcher Krise genau? Unseren Regierenden jedenfalls scheint die Dieselkrise mehr Kopfzerbrechen zu bereiten als die Krise, vor der uns praktisch die gesamte Wissenschaft warnt. Was also tun? Vorsorglich Lernen bis zum Umfallen oder freitags auf die Straße gehen? Aber was ist schon die Angst davor, die eigene Zukunft zu vermasseln, gegenüber der Angst, dass es diese Zukunft wahrscheinlich gar nicht geben wird? Und wer ist jetzt schuld an dem Ganzen? Die Kanzlerin, die Konsument*innen oder die Konzerne? Während sich alle streiten, versuchen andere längst, die Welt zu retten. „Wo warst du?“ – werden die zukünftigen Generationen fragen. „Auf der Bühne!“ – werden wir antworten.

Unser Stück macht aus, dass wir einen Kanal für eine offene Kommunikation und Konversation über Sexualität und Pornografie anbieten. Auf facettenreiche Art und Weise machen wir auf Themen aufmerksam, über die aus Hemmung und sozialem Druck in unserer Gesellschaft kaum geredet wird. Wir zeigen, dass es vollkommen okay ist, offen über Intimität, Unsicherheit und Verlangen zu reden. Das Stück provoziert nicht nur Gedanken über Gesellschaft und Stigmata, sondern vor allem über sich selbst, die eigene Sexualität und eigene Erfahrungen. Dabei ist es egal, ob die Zuschauer*innen schon Erfahrungen mit Pornos haben oder diese kategorisch meiden, ob sie schon sexuelle Erfahrungen hatten oder nicht. Ein pikantes Thema, ohne dass es peinlich wird. Und alles immer mit einem gewissen Augenzwinkern und sichtbarem Spaß.

Wir erzählen die Geschichte von Viktor Frankenstein in der Gegenwart auf verschiedenen Ebenen.

Als eine Geschichte der Verwandlung:
Wir zeigen die verschiedenen Facetten in uns. Wir sind Wissenschaftler*innen, Kreaturen, wir sind wir. Aber in welcher Welt befinden wir uns? Was ist Realität? Wie beeinflussen uns die Digitalisierung und die Möglichkeiten der künstlichen Intelligenz? Befinden wir uns noch in der Realität oder sind wir selbst auch schon Geschöpfe einer künstlichen Welt?

Als eine Geschichte der Verantwortung:
Welche Verantwortung haben wir gegenüber anderen Lebewesen? Man wird in diese Welt „geworfen“ und muss dann rausfinden, wer man ist. Aber wer hilft einem dabei?

Als eine Geschichte der Anerkennung:
„Wer“ oder „Was“ sind wir? Was macht uns zum Menschen? Wer gibt uns als Menschen Anerkennung? Was passiert mit jemandem, wenn sie*er keine Anerkennung bekommt?

Wie trifft man den richtigen Ton? Wie findet man seinen Platz in der Welt und wo kann der sein? In einem Heimatgesangverein in einem hellen, freundlichen Land? Alles ist harmonisch, schön. Man muss sich nur anpassen. Einige Forderungen erfüllen.

Hahn, Ziege, Wolf, Pavian und Welpe treffen sich jede Woche im Probenraum und bereiten sich auf die Aufnahmeprüfung vor. Ein Jahr haben sie Zeit. Welchen Preis zahlen sie? Und wenn es ihre letzte Chance ist, weil hinter dem Probenraum der Stacheldraht wartet?

„Heimatklänge” beschäftigt sich mit den brennenden uralten Fragen: Wie viel Fremdes verträgt Heimat? Wie viel Anpassung verlangt ein System? Wie viel Individualität lässt es zu? Ordnung bietet Schutz, ist jedoch immer mit Unterordnung verbunden. Und wenn ich nicht will? Wenn es meine Lebendigkeit tötet? Was ist vernünftig?

Rund um ein Klavier lassen die fünf Spieler*innen mit Liedern aus dem Liederbuch und mit großer Spielfreude einen Ort entstehen, der von Freundschaft, Verrat, Disziplinierung, Aufruhr und Sehnsucht erzählt.

Unsere Gesellschaft ist eine, in der höher, schneller, weiter die drei geflügelten Worte sind. Wir versuchen, uns einzureden, dass das die richtige Art ist, zu leben: 24/7 Entertainment, Unermüdlichkeit, eine Dystopie des Wetteiferns. Bis Bonnie und Clyde sich begegnen, zwei Jugendliche, die dieses gesellschaftliche Konstrukt aufbrechen wollen. Wie aber die Menschheit wachrütteln? Wie eine Bewegung starten, ohne sich bereits existierender Mittel zu bedienen? Demos veranstalten, Flyer verteilen, Soli-Partys?! Das hatten wir alles schon. Und haben sie etwas bewirkt? Nein.

Also starten wir, Bonnie und Clyde, weitere Aktionen. Die Aktionskunst wird zu unserer Ideologie! Aber die Aktionen laufen aus dem Ruder, wir drehen durch. Wie kann man die Welt heftig machen, wie kann man auf das, was im Leben wichtig ist, aufmerksam machen?
Überschätzen wir uns vielleicht selbst?
Und wenn wir am Ende des Tages feststellen würden, dass wir mit Ehrlichkeit, mit Liebe zur Kunst und vor allem Mut zur Imperfektion doch etwas bewegt haben?
Und wenn auch nur für einen Augenblick …

Wir haben ein Theaterstück auf die Beine gestellt und zwar mit der Theatergruppe Pink Valley. Unser Stück hieß „Körper, Chaos und Macht – Überleben in der Pubertät“. Und genau darum ging es schon das gesamte Halbjahr. Das Kollektiv Pink Valley wollte verstehen, wie wir Teenager denken und ticken und darum sollte es dann auch in unserem Stück gehen.

Das Projekt war überraschend gut, vor allem, weil alle toll zusammengearbeitet haben. Das war ein richtiges Erfolgserlebnis, zu sehen, was wir alles können. Wir hätten nie gedacht, dass uns Theater so viel Spaß bereiten würde. Wir fanden es toll, dass die Künstler*innen unsere Talente so gefördert haben und uns sogar für das Theatertreffen der Jugend empfohlen haben. Der Applaus zum Schluss war einfach befreiend – ein bisschen wie im siebten Himmel.

„Lass es gut sein!“ ist ein Manifestversuch, in dem wir die Probleme und Ungerechtigkeiten der Welt gesammelt haben und probieren, ihnen zu begegnen; Lösungen zu finden und handlungsfähig zu werden und dabei entstehende Zweifel zuzulassen. Es ist der Wunsch, dass es in unseren Händen liegt, dass es doch gut ausgeht: mit uns. Und der Welt. Eine Stückentwicklung, die am Anfang kein „richtiges Theater“ zu sein schien und die sich nun, mit jedem Mal, das wir zusammen spielen, ein bisschen mehr nach einem Zuhause anfühlt.

Unvollständige Liste der Materialien, die unser Stück zu dem gemacht haben, was es jetzt ist:
Das Kommunistische Manifest, das Hydra-Manifest und das Wiki-How zur Frage, wie man überhaupt ein Manifest schreibt. Scrabblesteine. „An die Nachgeborenen“ von Brecht. Kekse. Das Gold von Rettungsdecken. Tampons mit und ohne Luxussteuer. Nutellagläser. Unsere Ratlosigkeit, bei gleichzeitiger Dringlichkeit. Unser Plastikmüll. Flossen und ein Planschbecken. Glitzerleggins und „all der ganze andere Scheiß, den Jenni noch auf der Bühne haben wollte“.

Am Beginn stand die Suche nach einem Thema zum Jubiläum unserer Schule. Was fällt einem da zum Namensgeber Goethe ein? Natürlich Faust, aber der war uns zu naheliegend. Außerdem brauchten wir etwas, das auch andere Bereiche unserer Schulkultur zur Auseinandersetzung inspirieren würde. Und so landeten wir bei irgendwann bei „Prometheus“. Es ging auf eine Reise zum Mythos des Titanensohns, Rebellen, Symbol der Schöpferkraft. Wir fanden Texte natürlich bei Goethe, Aischylos, Christa Wolf und schrieben auch eigene. Wir hörten Musik von Beethoven und Orff, sammelten Bewegungsmaterial, improvisierten mit Musik und Tanz. Wir kreierten Bilder und Choreografien, erarbeiteten eigene Tonspuren. Entstanden ist ein Crossover-Projekt, in dem wir den alten Stoff mit unterschiedlichen theatralen Mitteln in unsere eigene Sichtweise übersetzt haben. Dabei beschritten wir neue Wege – Schattentheater, Tanzen, Percussion.

„Ich erwache, fühle, wer ich bin – wer ich werden muss!“

Zwei rivalisierende Brüder und eine junge Frau, Amalia – zwei radikale Lebensprinzipien und ein Leben ohne Wahl. Karl und Franz sind auf der Suche nach einer anderen Lebenserfüllung als der ihnen vorgezeichneten. Amalia darf sich das nicht aussuchen, ihr Weg ist vorbestimmt. Alle wollen die Freiheit! Franz intrigiert gegen seinen Bruder Karl. Der gibt dem System die Schuld und gründet mit seinen Kumpanen eine Räuberbande, um gegen die erstarrte Gesellschaft zu kämpfen. Viele junge Menschen folgen ihm aus unterschiedlichen Motiven auf der Suche nach Sinn. Aber ihr idealistischer Freiheits- und Widerstandsgeist schlägt um in Gewalt und Anarchie. Aus den Revolutionären für eine neue gesellschaftliche Ordnung werden Terroristen.

Und dann ist da auch noch Amalia… aus dem fremdbestimmten Mädchen entwickelt sich durch die Erkenntnis, von Karl im Stich gelassen worden zu sein, und angestachelt durch Franz‘ gewalttätige Übergriffe eine Frau, die weiß, dass sie sich nur auf sich selbst verlassen kann.

In „Die Räuber“ beschäftigte sich der junge Schiller explizit mit den Möglichkeiten der Rebellion einer jungen gegenüber der älteren Generation und dem Umsturz einer bestehenden Ordnung. Das hört sich auch heute noch irgendwie bekannt an …

Während der Proben wurde schnell klar, dass uns die Figur des Peer Gynt interessierte: Wir konnten uns mit ihr identifizieren, verurteilten sie oder lehnten sie sogar ab. In unserer Auslegung des Stücks von Henrik Ibsen wurden ein wiederkehrendes Königsmotiv als Symbol für gesellschaftlichen Status, Karriere, Macht und Geld sowie die Frage, was genau Peer Gynt eigentlich antreibt, zum Mittelpunkt der gemeinsamen Auseinandersetzung. Die Geschichte des Originals zeichnen wir in unserem Stück dabei sehr frei als eine Reise voller Irrwege nach, springen gemeinsam in die Peerfigur hinein, erleben körperlich ihre Höhen und Tiefen und schwanken mit ihr zwischen Hybris und Resignation. In Gesprächen und der Auseinandersetzung mit dem Text wurde deutlich, dass uns alle die Zerrissenheit Peer Gynts umgibt und fesselt: Sind wir genug? Möchte ich geradeaus oder außen rum? Wollen wir König*in oder doch gleich Kaiser*in werden? Muss ich? Müssen wir?

Wir wollen uns erinnern!

Unsere Aufführung „Spurensuche“ ist eine Gedenkperformance zur Euthanasie im Schulort Haar bei München. Zwischen 1939 und 1945 starben im Klinikum vor Ort etwa 2000 Patient*innen an Unterernährung, 332 Kinder wurden gezielt getötet, etwa 2000 in Tötungsanstalten geschickt.

In der Inszenierung befinden sich die Zuschauer*innen mit uns in einem quadratischen Raum. Wir beobachten und werden beobachtet. Eine Bühne, die eine Abgrenzung von uns Spielenden eindeutig ermöglicht, gibt es nicht. Wir agieren mal zentral, mal umringen wir das Publikum vollständig. Gesprochen werden nahezu ausschließlich kombinierte und zueinander in Beziehung gesetzte Zitate aus Rechercheprozessen. Dabei wird versucht, das eigentlich Nicht-Darstellbare (u. a. die Tötung von Menschen) darstellbar, keineswegs aber unmittelbar sichtbar zu machen.

Keine Wohnung haben. Von Couch zu Couch ziehen. Jobcenter sagt: Wir melden uns bei Ihnen. Jemanden betteln sehen. Kleingeld haben. Nicht spenden. Schlechtes Gewissen. An der Ecke liegt der Nächste.

Die Zahl der Menschen ohne eigene Wohnung steigt in Deutschland dramatisch. Die Faktoren dafür sind vielfältig. In verschiedenen Räumen und Szenen werden diese vom Ensemble untersucht und einem aufgeteilten Publikum vermittelt: der Wohnungsmarkt, Angst und Vorteile und die Bürokratie. Alle Räume sind mit Zelten, Schlafsäcken oder Isomatten unterschiedlich gestaltet. Das für das Bühnenbild eingekaufte Material kann somit im Anschluss an die Aufführungen gespendet werden.

Aber sind solche Spenden nicht nur ein Tropfen auf den heißen Stein? In einem abschließenden Raum kommen alle schließlich zusammen und hier wird auch das Publikum aufgefordert, sich an dem fiktiven Diskurs zu folgender Frage zu beteiligen: Wie kann man helfen, was muss sich ändern?

Eine Gruppe Jugendlicher findet sich auf der Bühne zusammen, um Shakespeares Klassiker „Was ihr wollt“ zu proben. Doch schnell entfacht ein Konflikt über die Frage, wie man ein Stück, das lediglich drei Frauenrollen beinhaltet, die alle am Ende verheiratet werden, heutzutage überhaupt noch als Komödie mit Happy End verkaufen kann. Der Streit eskaliert, Jungen und Mädchen ziehen einen Vorhang zwischen sich und teilen auch das Publikum genau in der Mitte. Dann zeigen sie zwei Versionen des Stücks. Die Trennung der Geschlechter scheint die einzige richtige Entscheidung! Aber gleich tun sich neue Schwierigkeiten auf: Woher weiß ich, auf welcher Seite ich mitspielen möchte? Was ist mit denen, die sich nicht entscheiden wollen? Das neu entstandenen Chaos löst einen Sturm aus, der Vorhang zerreißt, die Jugendlichen erleiden Schiffbruch und werden auf die Insel Illyrien katapultiert.

Illyrien, das ist ein verheißungsvoller Ort, erfüllt von Liebe und Musik, ein Ort ohne Regeln und ohne Moral – und ohne Erwachsene. Hier können sie sich ausprobieren, bis sie wissen, wer sie sind, wer sie sein könnten und wen sie spielen wollen, unabhängig von den Bewertungen durch die Gesellschaft – und den ihnen anerzogenen Wertvorstellungen. Die Jugendlichen tauschen die Rollen, feiern eine ganze magische Nacht lang und verwickeln sich dabei noch tiefer in ihre eigenen Sehnsüchte und die Verwechslungen, die Shakespeares Stück mit sich bringt.

Ausgangspunkt war der Wunsch ein besonderes (Hybrid-)Genre zu finden und zu erkunden: das Bewegungs-Performance-Tanz-Theater.

Als Grundlage dienten uns die Arbeiten von Pina Bausch, Sasha Waltz und Ohad Naharin sowie die Viewpoints-Methode von Anne Bogart. Es wurde mit Konzepten experimentiert, Ideen und Visionen wurden erfasst und wieder verworfen.

Parallel zur ästhetisch-künstlerischen Ausdrucksform suchten wir nach den inhaltlichen Anknüpfungspunkten, um unsere Gedanken- und Gefühlswelt widerzuspiegeln.

Aus der damaligen tagespolitische Lage, suchten wir uns drei Themen heraus, die wir näher erforschen wollten: die Abwesenheit der*des Lehrerin*Lehrers – der leere Klassenraum, der Blick von außen auf die Welt – Alexander Gersts zweiter Weltraumflug und Greta Thunbergs Schulstreik für das (Welt-)Klima vor dem schwedischen Parlament.

Ausgehend von diesen drei Motiven schrieben wir unsere Gedanken auf und hielten gezielt Ausschau in der Pop-, Kultur- und Zeitgeschichte. Daraus entstand ein gewaltiger Pool an Texten, den wir schlussendlich durch viele Gespräche und Experimente gemeinsam dramaturgisch aufarbeiteten.

Anfang November 2019 war es dann soweit, die Kosmonaut*innen hoben ab: Hereinspaziert, hereinspaziert! Treten Sie ein in ein Klassenzimmer der anderen Art und nehmen Sie teil an einer fantastischen Reise in die Gedankenwelt von 15-jährigen Teenagern.

Wir sind Kosmonauten, wir tanzen, wir singen, sind mutig und wild.

Wir sind alle Kosmonauten, blicken auf unsere große und in unsere kleine Welt und tragen einen Strauß Hoffnung in der einen Hand und eine Flasche Versagen in der anderen …

Sechs Jugendliche, ein leerstehendes Gewächshaus, wilde Partys und plötzlich eine Leiche. Als zwei Freunde eines Abends im Gewächshaus eine schreckliche Entdeckung machen, gerät ihr Leben und das ihrer Mitschüler*innen aus den Fugen. Eine Verkettung von Ereignissen beginnt. Schlaflose Nächte. Merkwürdige Telefonanrufe. Ein Notfall in der Schulmensa. Das schlechte Gewissen ist nicht mehr aufzuhalten und zwingt die Jugendlichen, sich den Geistern ihrer Vergangenheit zu stellen.

Warum sagt keine*r was? Warum schauen alle einfach nur weg? Die Brutalität, fester Bestandteil unserer Jugend, wollen wir euch vor Augen führen, wir wollen sie euch spüren lassen. Gibt es eine*n Schuldige*n? Auch für sie*ihn wirst du Verständnis haben. Unsere Utopie: Mitfühlen und Zusammenstehen!

„Wer ist Woyzeck“ ist unsere erste Frage und „Warum reden die so komisch?“ die nächste, als wir als Antwort auf Frage Eins den gelben Reclam-Text in den Händen halten. Samt Kommentar der Spielleiterin: „Findet’s raus!“. To make a long story short: Wir lernen ihn ziemlich gut kennen, den Woyzeck. Seinem Hauptmann brav dienender Soldat ist er, seine Braut heißt Marie, sein Sohn Christian und sein bester und einziger Freund Andres. Er hat wenig Kohle und verdingt sich nebenbei als Versuchskaninchen beim Doktor. Weil ihn keine*r so richtig leiden kann und alle ihm irgendwie übel mitspielen, dreht er mehr und mehr ab. Als ihn auch noch seine Braut mit dem Tambourmajor betrügt, gerät alles völlig aus den Fugen und er verliert gleichzeitig mit seinem Verstand auch die Kontrolle über sein Leben.