Ausstellungstexte

Für Dayanita Singh ist die Fotografie das Rohmaterial ihrer Arbeit. Dabei zieht sie vollkommene Kreise: Ihre Fotografien werden ein Buch, das eine Ausstellung wird, die ein Katalog wird.

Museum of Chance (2013) stellt einen Wendepunkt in Singhs künstlerischem Schaffen dar. Singh erfand damit eine Form, die sie als ihr „Museum“ bezeichnet. Museum of Chance ist bewegliches Museum, Foto-Architektur und faltbare Ausstellung zugleich. Es ist das „Muttermuseum“ all derjenigen Arbeiten, die in den nächsten Räumen zu sehen sind.

Museum of Chance zeigt auf 163 Bildern, die im Lauf von drei Jahrzehnten entstanden sind, Körper, die einander umschlingen, tanzen und sich bewegen. Es sind Kleidungsstücke, die auf Gestellen oder Geländern hängen, zu sehen, und persönliche Zyklen von Wiedergeburt, Aufbewahrung, Erinnerung und Gedächtnis.

Jede Struktur besteht aus handgefertigten Teakholz-Paneelen und ist beweglich. Sie verfügen über Flügel, die sich öffnen und schließen lassen. Singhs Museen sind gleichzeitig Archiv, Speichervorrichtung und Präsentationsstruktur für ihre Fotografien, vergrößerte Kontaktbögen und bewegliche Architekturen im Raum.

Singhs Auswahlprozess erfolgt während der Durchsicht von Kontaktbögen mit vielen Bildern. Er verläuft ebenso sorgfältig wie intuitiv. Sie bezeichnet ihre Kontaktbögen als das Herz ihres Archivs, ihr vier Jahrzehnte umfassendes Tagebuch. Auch wenn Singh mittlerweile digital fotografiert, benutzt sie nach wie vor analoge Kontaktbögen, um ihre Arbeit zu sichten und auszuwählen. Dann stellt sie kleine Abzüge her und schneidet diese von Hand aus. Den Computer setzt sie nur dann ein, wenn es erforderlich ist. Es handelt sich also um einen sehr tastenden Prozess. Er führt Singhs anhaltendes Interesse an der Verbindung zwischen menschlicher Berührung und Zyklen von Musik, Rhythmus und Bewegung fort.

In den 1980er Jahren fotografierte Singh Ustad Zakir Hussain und klassische Musiker*innen bei ihren Tourneen. Seitdem lag das Hauptaugenmerk ihrer Fotografien nicht nur auf individuellen Personen. Auch andere künstlerische Formen wie Architektur, Tanz und vor allem Musik rückten in den Fokus. Die Fotografien in Museum of Tanpura (2021) führen uns durch Konzertsäle, Backstage-Räume, Wohn-, Hotel- und Schlafzimmer und sogar einen Musician’s Bus (2021).

Singh bezeichnet sich selbst als Archivarin. Als sie sich Kontaktbögen ihrer früheren Arbeiten ansah, fand sie diese Bilder. Sie unterzog sie einem intensiven erneuten Archivierungs-, Auswahl- und Sortierprozess. Diese entscheidende Phase in ihrem künstlerischen Verfahren bezeichnet Singh als „Editieren“ der Bilder und als „Den-Bildern-zuhören“. Durch diese Tätigkeit hat die Künstlerin eine neue Hauptfigur in ihrem frühen Projekt gefunden: ein als „Tanpura“ bezeichnetes Borduninstrument.

Das Ergebnis ist ihr Museum of Tanpura. Es ist in drei Säulen präsentiert. In der indischen klassischen Musik spielt die Tanpura keine Melodie, sondern ist das „Rückgrat“, also der Ton, der parallel zu den Solomusizierenden gespielt wird. In Museum of Tanpura wird sie als ein versteckter Charakter dargestellt, der eine durchgängige Stimmung für das Werk erzeugt.

Das an der Wand ausgestellte Kishori Tai (2021) wurde von Singhs Verlag Spontaneous Books veröffentlicht. Es ist nach der großen indischen klassischen Vokalistin Kishori Amonkar benannt. Singh war überrascht, diese Bilder in ihrem Musiker*innen-Archiv zu finden. Sie entstanden an einem Guru Purnima (einem Tag, an dem Gelehrte ihren Gurus Ehre erweisen). Die Buch-Ausstellung veranschaulicht Singhs Prozess des Neuerfindens durch Editieren. Dabei kommt sie auf einzelne Projekte zurück und entdeckt neue Charaktere und Hauptfiguren.

Das handgefertigte Leporello-Buch Musician’s Bus hat ein ähnliches Format wie Kishori Tai. Es bringt eine Vielzahl von Bildern aus dem Archiv, die Musiker*innen im Bus während ihrer jährlichen Tournee zeigen, zusammen.

Das umfangreiche Projekt Sent a Letter Museum (2008/2021) war ein Meilenstein in Dayanita Singhs Untersuchung von modularen Formen, Fotografie und Buch-Objekten. Mit Sent a Letter (2008) fand sie eine Form, in der ihr Buch zur Ausstellung wurde. So führt ein direkter Weg von Sent a Letter zu Singhs darauffolgenden „Museen“.

Sent a Letter ist eine von Hand gefertigte Stoffbox mit sieben Büchern im Leporelloformat. Auseinandergefaltet werden sie zu sieben Ausstellungen. Die Bilder in Sent a Letter behandeln Reisen, die Singh 2002 nach Kalkutta (Kolkata), Devigarh, Bombay (Mumbai), Allahabad (Prayagraj), Varanasi und Padmanabhapuram führten. Ein Buch zeigt Fotografien von Singh und wurde von ihrer Mutter Nony Singh gemacht.

Auf diesen Reisen führte Singh Fotojournale in Notizbüchern der Marke Moleskine. Sie beziehen sich jeweils auf eine bestimmte Person, die sie begleitet hatte beim Besuch einer Sehenswürdigkeit, eines Museums oder Wahrzeichens. Die Aufnahmen in Sent a Letter sind gleichzeitig Akte des Austauschs und der Erinnerung. Sie beziehen sich auf Zustände der Zerstreuung, des Wanderns und der Verbindung, die dem Reisen innewohnen.

Jedes Buch entspricht einem Tagebuch und ist gleichzeitig ein Geschenk, das man entfalten kann. Die Werke inszenieren Singhs Hinwendung zu einer Form, die Fotografie mit Büchern verbindet und anschließend Bücher mit Ausstellungen. Jedes dieser intimen Werke ist eine Ausstellung für sich.

Dayanita Singh kommt über Jahrzehnte hinweg immer wieder auf bestimmte Orte, Räume und Motive zurück. Doch vor allem sucht sie bestimmte Menschen wiederholt auf. Für die zwölf Abzüge in I am as I am (1999) kehrt Singh in einen Ashram in Varanasi in Indien zurück. Als Kind besuchte sie diesen Ort mit ihrer Familie regelmäßig. Als sie Jahre später mit dem Fotografieren begann, kehrte sie zu dem Ashram zurück und traf dort Jyoti, ein junges Mädchen, die eine enge Freundin Singhs wurde und die sie noch heute fotografiert.

Der Ashram in Varanasi ist ein Rückzugsort, ein Zuhause, wo Mädchen sich entscheiden können, ob sie ein Leben religiöser Hingabe führen wollen oder nicht. In diesen Bildern gelingt es Singh, die Intimität und Sicherheit des Ortes zu porträtieren. Wir spüren die Privatheit, die die Vermengung von Spiel und Hingabe erlaubt – an die Spiritualität und an einander.

Fast zwei Jahrzehnte später diente Singh dieses Projekt als Anregung, ihre Idee des „shedding“ weiterzuentwickeln. „Shedding“ kann „abstreifen“, „abstoßen“ oder auch „loswerden“ bedeuten. Sie übernimmt es von einem spirituellen Wortschatz und bezieht es auf einen Prozess der Verfeinerung durch Reduzierung.

Dayanita Singh veröffentlichte Box 507 (2019) in ihrem eigenen Verlag Spontaneous Books. Es ist dem sri-lankischen Architekten Geoffrey Bawa gewidmet. Bawas Kandalama Hotel schmiegt sich in eine felsige Gebirgslandschaft. Es verinnerlicht die besondere Lage des Standorts in sein Erscheinungsbild. Bawa selbst bezog jedes Mal das Zimmer 507, wenn er das Hotel besuchte, das zu seinem Markenzeichen geworden war.

Auch Singhs Box 507 steht im Gegensatz zum ortsgebundenen Charakter der unbeweglichen Architektur. Es ist ihre einzigartige Praxis, Buch- Objekte mobil, beweglich und „unbefestigt“ zu machen. So ermöglicht Singh es den Betrachter*innen, ihre Ausstellungen mit nach Hause zu nehmen und ermutigt sie, ihre eigenen Ausstellungen zu kuratieren. Box 507 wurde in einer Auflage von 360 Stück hergestellt. Jede Teakholz- Box enthält 30 Bildkarten, die im Offsetdruck-Verfahren produziert wurden. Die Sammler*innen können die vordere Karte der Edition austauschen. Mit dem Offsetdruck-Verfahren hat Singh eine andere Drucktechnik für die Anfertigung ihrer Bilder gefunden.

Ähnlich sind ihre Painted Photos (2021–2022). Singh überzog Bilder aus ihrem Archiv mit einer weißen Farbschicht, so dass sich die ursprünglichen Bildinhalte nun hinter einem undeutlichen Schleier befinden. Ein Vorgehen, das dem Überziehen ihrer Buch-Objekte mit Stoffen ähnelt. So bezieht sich die Künstlerin darauf, wie Erinnerung und die Verweigerung von Erinnerung einander überlappen. Auf ähnliche Weise hat Singh ihre Museen häufig mit weißem Musselinstoff geschützt und bei sich zu Hause aufbewahrt. Die Bilder wurden Gespenster ihrer selbst.

Singh schreibt „Die Painted Photos reduzieren die Bilder, beschränken sie auf das Wesentliche, auf einen Duft, wenn man so will“, und fügt hinzu „sie werden zu bloßen Andeutungen der Bilder.“

Das Büchermachen ist ein wesentlicher Bestandteil von Dayanita Singhs Arbeit – von ihrem frühesten Projekt, Zakir Hussain: A Photo Essay (1986), bis zu ihrem letzten Buch Let’s See (erscheint im Steidl Verlag).

Singh betrachtet das Offset-Druckverfahren als buchstäbliches Sinnbild, das ihr die Verbreitung von Informationen, Bildern und Material ermöglicht. Sie bezeichnet sich selbst auch als „Offset Artist“. Denn Singh verfügt über einen ganz eigenen Ausstellungsbegriff: Jedes Buch stellt eine „originale“ Ausstellung nicht dar, sondern ist tatsächlich die originale Ausstellung selbst. Es können also alle diejenigen, die Zugang zu den einzelnen Büchern haben, die Ausstellung betrachten – jederzeit und wo immer sie sind. Das befreit die Ausstellung von den besonderen Zwängen der Wand und der Institution.

Im Lauf der Jahre hat sich diese Arbeitsweise weiterentwickelt: von der handgefertigten Maquette des Zakir Hussain-Buchs zu den Leporello- Büchern, Buch-Museen und herkömmlicheren gebundenen Bänden. Sie führte auch zu einer langjährigen künstlerischen Zusammenarbeit mit dem Göttinger Steidl Verlag. Hier veröffentlichte Singh Privacy (2003), Go Away Closer (2007), Sent a Letter (2008), Dream Villa (2010), File Room (2013), Museum of Chance (2014), Museum Bhavan (2017) und Zakir Hussain Maquette (2019). Jedes der neuen Bücher ist Ausstellung, portables Museum und originales Kunstwerk zugleich.

Im Museum Bhavan (2017) sind Singhs insgesamt neun „Museen“ unter diesem Titel vereint. Auf Hindi bedeutet er „große Sammelstelle“. Museum Bhavan besteht aus neun individuellen Buchmuseen in einer handgefertigten Box, die sich auffalten und nach Belieben aufstellen oder aufhängen lassen. Jedes Cover der Box ist ein Original.

Pothi Box (2018) ist eines von Singhs Buch-Objekten, die von Spontaneous Books herausgegeben wurden. Dieses Werk ist eine von Stoff umhüllte Holzstruktur. Es enthält ein ungebundenes Buch mit 30 Bildkarten. Diese lassen sich nach Belieben neu ordnen. Für Singh ist wichtig, dass es keinen „originalen Einzeldruck“ außer diesen Boxen gibt. Sie existieren als eine aus 360 Exemplaren bestehende Edition. Auf diese Weise lässt sich die Ausstellung relativ kostengünstig mit nach Hause nehmen und direkt von der Wand weg erwerben. Wenn alle Boxen verkauft wurden, sind Edition und Ausstellung an ein Ende gelangt oder vollständig.

Singhs Bücher sind immer in Bewegung, etwa in Gestalt des Book-cart (2011). Aber auch My Life as a Museum (2018): eine in Indien hergestellte und mit Indigo gefärbte Jacke mit neun Taschen, die auf einem Kleiderbügel gezeigt wird.

Die Kräfte der Verbreitung, Mobilität, Bewegung und des Zugangs sind für Singhs Werk von grundlegender Bedeutung. Suitcase Museum (2015) verkörpert diese Wirkung durch seine Materialien und seinen Inhalt. In zwei Lederkoffern befinden sich 22 Buch-Objekte. Jedes Buch-Objekt wiederum enthält ein Exemplar des Museum of Chance-Buches mit seinen 44 unterschiedlichen vorderen und hinteren Umschlagseiten. In den beiden Koffern befinden sich also insgesamt 44 Buch-Objekte. Man kann Singhs Buch-Objekte und Museen als eine Herausforderung der statischen Form der Museumsausstellung begreifen. Jedes Museum ist zugleich Buch, Koffer, Ausstellung, Objekt und Sinnbild für Transportierbarkeit. So legt es jeweils eine Möglichkeit offen, eine neue Form für Museumsarchitekturen zu denken, jenseits der Grenzen der Institution. Die Lederkoffer enthalten schließlich auch Bezüge zu Migration, Tourismus, Reise und Vertreibung. Sie sind Aufbewahrungsorte der Erinnerung und der Geschichte.

„Nichts als sich selbst / misst die Zeit“, schrieb der Schriftsteller W. G. Sebald und inspirierte damit den Titel dieser Werkreihe. Die Farbfotografien in Time Measures (2016) bezeugen Singhs anhaltendes Interesse an Archiven, der Bewegung der Zeit und den persönlichen Assoziationen, die wir zu Stoffen haben. Sie verbinden dieses Interesse mit den sich abwechselnden Gefühlen von Privatheit oder Zurückhaltung in ihren Werken.

In einem Archiv in Indien entdeckte Singh Bündel mit Dokumenten, die mit Stoff umhüllt waren. Sie sind rätselhaft, denn wir erkennen ihren Inhalt nicht, und sie werden von einem einzigen Knoten zusammengehalten.

Die Aufnahmen sind frontal und mit einem bei Singh seltenem Einsatz von Farbe fotografiert. Sie enthalten eine Spannung zwischen den hellen Tönen der Bilder und dem gealterten, verblichenen, verformten Stoff. Die Bilder vermitteln einen Widerspruch zwischen der Wiederholung der Knoten und ihrer individuellen, fast ausdrucksvollen Einzigartigkeit. So ist jedes Bündel gleich, aber auch anders.

Durch die Hängung der Bilder wird ein Gefühl von Wiederholung und Rhythmus erzeugt, das mit Singhs Interesse für Bewegung und Musik zusammenhängt. Das Erscheinen von auf Stoff gedrucktem und dann verblasstem Licht ist ein Hinweis auf die Fotografie selbst – ihr Wechselspiel von Licht, Belichtung, Zeit und Material.

Während der COVID-19 Lockdowns im Jahr 2020 tauchte Dayanita Singh erneut tief in das Archiv ihrer Kontaktbögen ein und setzte ihren Prozess des „Editierens“ fort. Endlich fand sie die Zeit, ihre ganz frühen

Arbeiten aus den 1980er Jahren durchzusehen. Dies führte zu einer völlig neuen Arbeit: Let’s See (2021). Sie zeigt einen neuen Weg für Singhs künstlerisches Schaffen auf und wird in dieser Retrospektive zum ersten Mal ausgeführt.

Diese 108 Bilder sind auf zwölf Tafeln verteilt. Sie entstanden in den 1980er Jahren und beinhalten einige von Singhs frühesten Aufnahmen. Diese entstanden größtenteils zu einer Zeit, in der sie sich selbst noch nicht als Künstlerin bezeichnete. Foto-Originale werden typischerweise – bevor sie auf Fotopapier gedruckt und aufgezogen werden – im Originalformat 1:1 auf einem einzigen Bogen Fotopapier kopiert. Diese einzelne Seite enthält viele Bilder auf einmal und wird als Kontaktbogen bezeichnet. Singhs Tafeln des neuen Werks beziehen sich auf Kontaktbögen in einem vergrößerten Maßstab. Sie lassen sich auf unterschiedliche Weise anordnen, da die Bilder in die Struktur eingefügt und aus ihr herausgenommen werden können.

Aus heutiger Sicht enthalten diese frühen Aufnahmen viele von Singhs späteren Markenzeichen, zum Beispiel die nah aufgenommene, doch immer rätselhafte Darstellung von Figuren während intimer Momente. Das Thema von Let’s See könnte die Fotografie selbst sein. Hier treten bestimmte Leitmotive in Erscheinung: menschliche Zusammengehörigkeit, wie sie durch Haarpflegerituale entstehen. Oder einander umschlingende, sich berührende Körper in verschiedenen Posen der Zuneigung oder des Pausierens, die an einen Tanz erinnern.

Mit Singhs Interesse an Bewegung, Verwandlung und Berührung verbundensind musikalische Interessen wie die Beschäftigung mit der Tanpura, einem Borduninstrument in der indischen klassischen Musik. Sie alle kommen zum Ausdruck in einem ebenso präzisen wie unvoreingenommen wirkenden fotografischen Vorgang. Let’s See offenbart die Keime von vielen späteren Werken und Protagonist*innen der Künstlerin.