Ausstellungstexte

Seit über drei Jahrzehnten erweitert Rirkrit Tiravanija die Vorstellung davon, was in Ausstellungen passieren kann. Als Teil seiner Praxis stellt der Künstler Situationen her, die zum Essen, Trinken, Spielen und Ausruhen einladen. Dabei entstehen Räume für zufällige Begegnungen, soziale Beziehungen und deren Scheitern – kurz gesagt: für das Leben. Seine frühen Kochaktionen begeisterten und verunsicherten die Besucher*innen gleichermaßen: Sollten sie das Angebot annehmen und mitmachen, aus der Entfernung zuschauen oder einfach weiterziehen?

Als Sohn eines thailändischen Diplomaten ist Tiravanija auf vier Kontinenten aufgewachsen. Geprägt durch diese Erfahrung bezieht er unzählige Formen kultureller Übersetzungen in seine Arbeitsweise ein. Im Gebrauch verschiedener Sprachen und Referenzen – von Zitaten aus Kunst, Film und Architektur bis hin zu persönlichen Erfahrungen – machen seine offenen Werke Gegenvorschläge zu den festgeschriebenen und einseitigen Erzählungen, die in vielen Kulturinstitutionen vorherrschen.

Tiravanija, der unter anderem in Berlin lebt und arbeitet, verweist in den hier gezeigten Arbeiten immer wieder auf kulturelle Klischees und die politischen Verhältnisse in Deutschland. So zitiert die Ausstellung mit ihrem Titel DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG Rainer Werner Fassbinders gesellschaftskritischen Film Angst essen Seele auf (1974). Sie versammelt Werke von 1987 bis heute, die danach fragen, was Kunst ist und wofür wir sie gebrauchen können.

„Wenn ich einen Buddha sehe, dann sehe ich etwas anderes, und was ich sehe, fehlt in der musealen Präsentation.“

– Rirkrit Tiravanija

Während seines Kunststudiums in Nordamerika war Rirkrit Tiravanija bei Museumsbesuchen immer wieder auf historische Ausstellungsstücke gestoßen, die ihm aus der thailändischen Kultur vertraut waren – Buddha-Statuen etwa, Schalen oder andere Gefäße. Wie waren sie in die Museen gekommen? Warum wurden sie mal als Kunstwerke, mal als Alltagsgegenstände ausgestellt? Fern ihrer Herkunftsorte, isoliert auf Sockeln oder in Vitrinen, waren sie ihrer eigentlichen Funktion beraubt.

Im Geiste der künstlerischen Bewegung der Institutionskritik beschäftigte Tiravanija sich gegen Ende seines Studiums mit den Denksystemen und Methoden, die der Museumsarbeit zugrunde liegen. Mit einem kritischen Blick auf die europäische Kunstgeschichte und die Ethnologie wandte er sich gegen die Aneignung von Objekten durch westliche Institutionen. In diesen frühen Arbeiten setzte er sich insbesondere damit auseinander, wie Ausstellungsstücke in Kategorien eingeteilt und präsentiert werden. 1989 zeigte er zum ersten Mal, was ihm als Alternative vorschwebte: den „Topf aus der Museumsvitrine holen und darin kochen.“ Die Idee war, Alltagsgegenstände für die Zwecke zu nutzen, für die sie gemacht worden waren. In seinen Arbeiten lädt Tiravanija dazu ein, über die kulturelle Bedeutung und die soziale Funktion dieser Gegenstände nachzudenken.

„In allen Arbeiten, die ich je gemacht habe, geht es um die Position, die ich in der westlichen Welt einnehme und die ich versucht habe, zu verstehen.“

– Rirkrit Tiravanija

„Mapping“ ist eine künstlerische Praxis, die reale oder gedankliche Räume erforscht und Verhältnisse bildlich darstellt. Mit Diagrammen, Karten oder Bildern stellen Künstler*innen Verbindungen zwischen verschiedenen Dingen her. Sie legen dabei verborgene Zusammenhänge offen und schaffen einen Überblick über komplexes Terrain, zum Beispiel eine politische Landschaft.

Als Künstler, der in mehr als einer Kultur zuhause ist, hat Rirkrit Tiravanija Verfahren des Mappings auch auf sich und seine Erfahrungen angewandt. Indem er Abbildungen eigener Kunstwerke mit Verweisen auf Vorbilder, Recherchen oder biografische Ereignisse kombinierte, erstellte er „Landkarten“ seines künstlerischen Schaffens. Sie dienen der Orientierung, sind aber alles andere als eindeutig. Vielmehr laden sie dazu ein, die Bilder und Informationen immer wieder anders miteinander zu verknüpfen. Gleichzeitig entstanden Arbeiten darüber, wie Identität bürokratisch erfasst wird, etwa in Form von Pässen oder der Unterschrift. Auch diese Werke lassen sich als Mappings verstehen: als Rückblick auf Tiravanijas Reisen, als Nachdenken über Identität und als Beschäftigung mit dem Genre des Selbstportraits.

„Es ging immer darum, den Kontext und die Strukturen zu hinterfragen, die die Kunst ausmachen.“

– Rirkrit Tiravanija

Üblicherweise erhalten Ausstellungsbesucher*innen keine Einblicke in die Arbeitsabläufe von Museen und Galerien. Im Mittelpunkt steht die Kunst, über die Menschen hinter den Kulissen erfährt man wenig. Auch die Regeln und unausgesprochenen Gesetze, die Ausstellungen und dem Kunsthandel zugrunde liegen, bleiben zumeist verborgen. Rirkrit Tiravanija machte von Beginn an auf diese Bedingungen aufmerksam. Ein Mittel war, den normalen Lauf der Dinge zu unterbrechen und die Verhältnisse auf den Kopf zu stellen.

So nutzte er ab 1992 Ausstellungen, um die Galerien selbst zu präsentieren – als Kunst. Mal versammelte er das Mobiliar und alle beweglichen Gegenstände aus den Büros im Ausstellungsraum und platzierte das Personal darin. Ein anderes Mal ließ er die Galeristen die Geschichte ihrer Galeriegründung und ihren Tagesablauf nachstellen. Es entstanden institutionelle Portraits in Anlehnung an die Praxis der Institutionskritik, mit der Künstler*innen seit den 1960er Jahren die Verhältnisse im Kunstbetrieb hinterfragen.

„Kunst hat immer versucht, den Menschen die Möglichkeit zu geben, frei zu handeln. Frei zu denken, frei zu sehen, frei zu hören.“

– Rirkrit Tiravanija

Immer mehr Museen und Ausstellungshäuser verstehen sich als soziale Orte, an denen sich Menschen begegnen. Wie an vielen Orten gibt es Vorgaben, die das Verhalten der Besucher*innen regulieren. Partizipative Kunst, die das Publikum zur aktiven Mitgestaltung einlädt, fordert diese Vorgaben heraus. Sie möchte einen Raum schaffen, in dem sich das gesellschaftliche Miteinander beispielhaft erproben lässt. Ein Vorbild hierfür sind die Kunstformen des Environments und des Happenings, die bereits in den 1960er Jahren zur Interaktion mit der Kunst aufforderten.

Rirkrit Tiravanija griff auf diese Formen zurück, als er begann, das Publikum aktiv in seine Kunstwerke einzubeziehen. Dabei konnte er beobachten, wie die Besucher*innen die Räume für sich einnahmen und sie belebten. Er entschied, als Künstler in seinen Werken selbst weniger präsent zu sein und überließ den Besucher*innen buchstäblich die Bühne: Seit Ende der 1990er Jahre baut Tiravanija Plattformen in Ausstellungsräume und lädt dazu ein, diese zu benutzen.